剧院如何拥抱城市，融入日常
主持人：
杨茹涵（记者）
嘉 宾：
杨树聪（北京天桥艺术中心党支部书记、总经理）
霍建华（广州大剧院总经理）
廖 屹（江苏大剧院总经理）
作为城市的文化地标，剧院不仅是艺术表演的专业场所，更是文化传承、创新与交流的重要平台。本期聚焦“城市与剧院”的共生共荣关系，特邀不同地区的剧院管理者与经营者，围绕剧院与城市人文传承的内在关联，共同探讨如何通过提升剧院吸引力、优化空间利用、推动转型升级，让剧院在服务城市发展、满足市民文化需求的同时，实现艺术传播与公共服务的双重价值。
主持人：如今，剧院正从传统演出场所向“文化体验综合体”转型。您认为，新时代的剧院应如何重新定义自身的核心功能？可以通过哪些策略来增强剧场空间的吸引力、扩大公众参与？
杨树聪：剧院是一个城市重要的文化设施。从国家战略与城市发展的角度来看，剧院所承载的功能和意义，远不止于演出本身。传统的演出剧场规模较小，功能相对单一，经营模式多以场地租赁为主，一般并不直接参与艺术创作或开展公共教育活动。但随着社会经济的发展和城市建设水平的提升，剧场的设施不断完善，形态也日趋多元和专业。在此背景下，越来越多的城市开始规划建设规模更大、功能更复合的现代化剧院。与传统剧场不同，这类剧院通常拥有更完整的架构体系和更丰富的内容生产能力。它们往往包含多个不同类型的演出空间，并能够自主进行剧目创作、制作和演出，成为推动城市文化繁荣和艺术普及的重要力量。
以北京天桥艺术中心为例，自2015年对外开放起，我们就明确了“北京的天桥，世界的舞台，大众的艺术空间”这一方向，强调三个标签：国际、时尚、大众。作为北京南中轴线上的文化地标，天桥艺术中心自带地域与国际的双重属性。如今我们重新思考剧场的定位，实质是在理解其多重属性：作为艺术载体，剧院应不断推出优质内容；作为文化产业的一部分，它需要创造经济价值、带动消费；作为文化事业机构，它承担着传播中华优秀传统文化的使命；从城市文化的角度来看，剧院还应成为展示城市形象的平台与窗口。
霍建华：作为扎根广州15年的城市文化地标，广州大剧院始终在思考：当剧院不再只是演出的建筑，当城市对文化的需求从“有”向“优”、从“看”向“享”升级时，我们该如何定义自身的价值？
新时代剧院的功能，早已超越“提供演出”的单一属性，而成为连接艺术与公众、激活城市文化活力的综合体。“以高品质文化供给滋养城市精神，以普惠性艺术教育培育市民素养”一直是广州大剧院的运营底色。在提升剧院吸引力与公众参与度上，我们始终坚持“内容为王，观众为本”。一方面，以“高水准、多元化”的内容吸引观众：15年来引进上演4000多场演出，柏林爱乐乐团、斯卡拉歌剧院等2000多个中外院团登上广州大剧院的舞台，从《图兰朵》《战争与和平》等世界经典歌剧，到《活动变人形》《雄狮少年》等本土原创作品，让“在家门口看世界级演出”成为广州市民的日常。另一方面，坚持艺术为民，以“接地气、广覆盖”的艺术普及打破剧院边界，打造“交一天时光给艺术”品牌，举办3000余场免费艺术活动，线上线下覆盖1.5亿人次。还打造童声合唱团、少儿芭蕾舞团等5个艺术团，培育近2.6万名青少年艺术人才，让剧院成为“城市艺术课堂”和“有温度的文化空间”。
廖 屹：对于城市而言，投入大量资源建造一座大剧院，不仅是打造一个城市文化地标，更是在满足市民对艺术生活的期待与向往。因此，自江苏大剧院落成之初，我们就明确了“人民性、艺术性、国际性”的宗旨，致力于将剧院打造为融合专业演出厅、艺术影音工坊、美术馆、艺术教育空间等多功能于一体的“文化体验综合体”，使其真正成为属于所有人的艺术殿堂与精神家园。
我们不仅提供高水准的艺术内容，更积极拓展剧院的空间功能与社交属性，推动艺术融入日常。例如，在江苏大剧院中庭广场组织“苏超”第八轮足球赛直播观赛活动，打破剧场边界，让市民在呐喊、欢聚中感受文化空间的活力；将共享大厅开放给大型设计展览，实现艺术与公众的零距离对话；在北侧美术馆推出宠物友好型展览，吸引更广泛群体走进艺术现场；焕新升级的水滴艺术中心则通过芭蕾、音乐剧等美育课程，以及大师班、演前导赏等活动，构建起普及艺术、连接创作与欣赏的新型生态。
新时代的剧院，不仅是演出场所，更是一个与城市共生、与公众共鸣的开放式文化平台，是每个人都可进入、可体验、可分享的文化客厅。
主持人：在“智慧城市”背景下，剧院如何利用高新技术，构建“内容+场景+情感”深度融合的新体验，从而更好地融入现代生活？
杨树聪：对剧院而言，建筑的落成只是第一步，长期的运营、维护与管理才是一项系统工程。推动传统剧院更好地融入现代生活，举办多元公共艺术活动是关键途径。例如，北京天桥艺术中心充分利用排练厅、古戏楼、前厅及文化内街等空间，依托闲置时段，自主打造了“周末艺聚”“诗意生活节”“酒旗戏鼓天桥市”等一系列品牌活动。这些活动不仅为公众提供了深入后台，参与讲座、文化展览、读书分享、剧本朗读、文创市集等丰富体验，更在潜移默化中培育了观众，为剧院注入了长久的活力。
霍建华：在“智慧城市”浪潮中，技术不是剧院的“附加项”，而是“重构体验、延伸边界”的核心工具。广州大剧院的实践，始终围绕让技术服务于艺术表达展开。我们最早探索“云端剧院”的可能性。2020年，推出了国内首部线上戏剧《等待戈多2.0》，吸引29万人同时在线观看；我们发起全球150位艺术家云端10小时直播，在5G、VR技术加持下打造“云剧院”，让观众足不出户就能感受剧场魅力。我们将技术融入日常运营：“漫游经典”5G慢直播以4K画质呈现后台彩排、艺术家访谈，让“看演出”延伸为“懂艺术”的深度体验。技术的终极意义，是让艺术与观众的情感连接更紧密。技术是工具，情感才是内核。剧院用技术构建的，不是“虚拟空间”，而是让艺术融入现代生活的新场景。
主持人：除了技术，“新质生产力”也强调业态与内容的协同创新。剧院应如何理解并实践这一概念，通过哪些具体路径实现艺术与科技、传统演出与新兴业态的融合发展，从而培育新的文化消费模式？
杨树聪：对于剧院而言，找到属于自己的“新质生产力”是一项长远的任务。从公共属性出发，我认为剧院应当承担起艺术教育与艺术普及的职责。这不仅指专业技能培训，更是基础性的普及，让更多人了解戏剧、走近舞台。自2015年开幕至金，天桥艺术中心共上演了来自30多个国家和地区的1626部剧目，演出场次达6000余场，观众累计突破340万人次。然而，若将其放在全国范围内看，2024年全国观演人次约为1.78亿，占总人口比例仍然很低。由此可见，即便在北京这样的文化大都市，从未进过剧场、没看过舞台演出的人，仍占大多数。这一方面与社会发展阶段有关，另一方面也反映出我们的艺术普及工作仍远远不够。近年来，虽然学校、文化馆等机构已逐步开展艺术普及，但剧院同样应当承担起这一使命，它是演出行业持续发展的根基。
我们希望剧院能够在履行公共使命、推动新业态发展、促进消费连接等方面发挥更大作用，但也必须认识到：中国目前尚未形成真正意义上的大型演艺区。即便是在初步形成规模的演艺区域内，剧院也仅是众多消费场所中的一环，并且属于消费层次、精神产品要求和参与门槛都较高的部分。剧院可以在一定程度上满足观众的附加需求，比如提供咖啡、简餐、酒水或小型展览等，但更广泛、更多样的需求，单靠剧院本身是无法完全覆盖的。因此，我们必须围绕剧院，建设更加丰富和匹配的业态与空间。
霍建华：“新质生产力”对剧院而言，核心是打破单一营收的传统模式，实现“艺术创作、业态拓展、消费培育”的协同共振。广州大剧院的实践路径，可概括为“原创驱动内容创新，多元业态反哺艺术”。在内容创新上，我们从“演出搬运工”转型为“艺术生产者”。我们联合罗马歌剧院、纽约大都会歌剧院等世界一流团队制作20余部经典歌剧。独立创作20余部原创作品，其中《活动变人形》等5部入选国家艺术基金项目。我们还探索“轻量化、年轻化”的内容形态：沉浸式喜歌剧《丽塔》《神奇医生》打破舞台边界，成为假期文化热点；实验戏剧《存在与时间2.0》以“单场单观众”形式，唤起对个体存在的思考，这些创新让歌剧、戏剧等传统艺术“活”在当下。在业态拓展上，我们构建“演出+培训+文创+商业”的生态链。剧院营收渠道中，演出相关收入占比超70%，同时通过艺术培训、物业招商、商业赞助、文创开发、旅游参观等多元业态，实现“自给自足”的市场化运营。这种“内容创新引领业态，业态收益反哺内容”的模式，是较为有益尝试。
廖 屹：江苏大剧院在持续拓展剧院功能的过程中，始终秉持“艺术改变生活”的理念，坚持以高品质演出为核心，以多元业态为延伸，彼此赋能、融合共生。传统演出是剧院立足的根本，而教育、展览、创意等业态并不是简单的“叠加”，而是对主业的深化与补充，共同构建出一个有机、活跃的文化生态圈。
一方面，我们坚守艺术标准，持续打造和引进优质演出项目，确保剧院的艺术内核始终鲜明。另一方面，我们大力推动艺术普及与惠民实践，依托“爱艺计划”这一品牌，系统开展如“周末音乐会”“经典艺术讲堂”“艺术研学”等普惠教育活动，8年累计举办近千场，覆盖超20万人次。同时，我们通过组建江苏大剧院爱乐合唱团、童声合唱团、青少年交响乐团等团体，为不同年龄层的市民提供深度参与艺术创作和表达的机会，让艺术从“观看”走向“参与”，从“殿堂”真正融入“日常”。
主持人：我们观察到“为一部剧，赴一座城”已成为年轻人的新潮流。您认为，“跨城观演”热潮背后的核心吸引力是什么？剧院又该如何利用“票根经济”有效串联交通、住宿、旅游等消费，打造有活力的文旅链条？
杨树聪：“跨城观演”现象一方面反映了随着生活水平提高，人民群众对高质量文化演出日益增长的消费需求，另一方面，也说明优质文化内容拥有强大号召力，一部好剧足以跨越地理距离，成为吸引人们前往一座城的理由。“票根经济”的关键是它背后所串联的交通、住宿、餐饮、旅游等一系列衍生消费，本质上属于市场行为，应主要由市场主体运作。政府可以在公共配套、政策引导与服务保障方面提供支持，营造良好环境，让市场机制充分发挥作用，从而更好地激发消费潜力。
霍建华：“为一部剧，赴一座城”的热潮，本质是“高品质文化内容”与“城市文旅价值”的双向赋能。其核心吸引力，不仅是演出本身的艺术魅力，更是“观演+城市体验”的组合价值。广州大剧院深谙这一逻辑，将“票根”视为串联文旅的纽带。从目前数据看，广州大剧院每年接待近30万购票观众，跨省观众占比13%、跨城观众占比28%，在广州“看大戏，游珠江，品早茶”是观众追求的完整文旅过程。我们要打造“观演+旅游”的一体化服务，让“票根经济”激活“夜间经济”，成为城市文旅消费的“催化剂”。
廖 屹：“跨城观演”热潮的兴起，其核心吸引力源于优质演出内容所带来的强大号召力。例如，江苏大剧院近年来持续打造原创品牌，创作出品了京剧《青衣》、歌剧《拉贝日记》、民族舞剧《红楼梦》以及话剧《红高粱家族》等原创作品。这些作品不仅赢得了观众和市场的广泛认可，也构建起剧院作为生产型表演艺术中心的独特竞争力。以原创民族舞剧《红楼梦》为例，自2021年首演以来，该剧每场演出的外地观众占比高达80%，观众平均年龄仅28岁左右。某次演出期间，剧院存包处曾存放超过170个拉杆箱，这既是剧目吸引力的生动印证，也对城市接待能力和服务协同提出了新挑战。在此背景下，剧院不应仅满足于提供演出，更应主动延伸服务链条，融入区域文旅大生态。
主持人：在城市文化发展战略中，大剧院如何超越其作为物理地标的“景观”功能，通过独特的品牌定位与艺术特色，成为驱动城市文化蜕变、重塑城市品牌的核心引擎？
杨树聪：中国城市规模差异显著，所谓“城市”，在实际操作中更多是指“区域”。剧院与区域的关系，本质上取决于剧院的自身规模、资源及区域特征相匹配的品牌定位与艺术特色。天桥艺术中心拥有4个剧场、超过3000个座位和8万平方米的规模，并配有大量公共空间，具备辐射更广范围的能力。因此，我们将其定位为面向北京市乃至国际的“文化会客厅”。剧院与城市的关系建构，核心在于精准定位。必须依据剧院的实际条件、资源与文化承载力进行规划。中国的每一个城市都拥有独特的文化内核。剧院应当深入挖掘属地文化特质，将其融入自身品牌构建与艺术内容之中。
霍建华：大剧院的价值，从不止于“建筑恢宏”，而在于成为“城市文化精神的载体”与“城市文化共同体的建构者”。长期主义最终要落脚于“与城市同频共振”。剧院不应是“文化孤岛”，而应深度融入城市的产业、民生、品牌建设，成为城市功能的“延伸”与“补充”。当剧院不再纠结于“赚多少钱”，而是思考“为城市做什么”，反而能找到更广阔的发展空间，获得市民的信任、政府的支持、城市的滋养，这种“被需要”的状态，是剧院最健康的“可持续”发展模式。
廖 屹：南京作为一座历史文化名城，正在持续推进文化古都的建设。在这一进程中，江苏大剧院通过构建鲜明的品牌形象与艺术特色，积极融入并驱动城市的文化发展与品牌焕新。在着力打造表演艺术中心、艺术生产中心功能定位下，同步推出“水滴艺术课堂”，以体系化的芭蕾、音乐剧等美育课程为基础，结合自制剧目和“剧院杯”展演，构建“学、演、展”一体化的艺术教育模式，广受市民欢迎。这一举措不仅拓展了剧院的美育功能，更使其成为公众艺术素养提升的重要平台。同时，我们积极响应“文旅体商”融合发展的趋势，不断打破剧院传统运营边界，增强与城市的多维连接。通过举办多元文化活动、联动区域文旅资源、开放公共空间，努力让每一位走进剧场的市民和游客，都能感受到文化的温度，收获精神上的满足。
