遇见中国瓷器的灵魂
《遇见宋瓷（修订版）》是一本我一直期待的书。我始终认为，纸质出版物对文物艺术品的呈现，必须以最大尺寸的高清大图让细节一览无遗，对商业宣传而言，图片需精美吸睛；对文物艺术品而言，器物本真最重要。但现实中，商业式图片常被用于烘托氛围，文物的关键细节多被忽视；更多图片则中规中矩，仅能让人“看到大概”“知道大概”。无法以尽可能大的图片呈现真实细节，对文物艺术品的价值传达而言，不得不说是一种损失。
文物艺术品（尤其是瓷器）的细节是不折不扣的灵魂。遗憾的是，瓷器审美存在门槛：它远不如书画、雕刻、家具等具有强具象性，初接触者难以快速找到切入点。两千年的演化密码，部分凝固在历朝瓷器上。古瓷器犹如一把把打开历史之门的钥匙，浩瀚分布于各地，关联着无数未解课题。鉴藏者在破解谜题时，总结出胎、釉、彩、工、形等细节的变迁规律。对瓷器而言，一切皆藏于细节：背后是号称“七十二道工序”的传统工艺基因，是材料科学的脉络，是时代审美的烙印，是文化变迁的载体，是历史人物的印记……读懂这些细节，需综合知识积累与丰富鉴藏实践，二者缺一不可。因此，能真正走进中国古瓷器领域的，多为从业者或收藏爱好者，人数本就稀少；而能形成独立认知体系并读懂细节者，更是凤毛麟角。唯有读懂，才可能在著书时将最精髓的内容娓娓道来。
精髓为何？正是细节。其直观体现，是作者愿意且敢于呈现充满细节的大图，因深知要让读者“看什么”。所以，《遇见宋瓷（修订版）》这样以细节见长的瓷器书，通过细节亲近瓷器，实为不易，尽管它本可更细致。文物多为古旧之物，瓷器尤易破损，所见多为残片。支撑该书主体的，便是80余片宋瓷残片。残片能美吗？放大后能看吗？答案是：宋瓷能。与大众认知不同，造型仅是瓷器审美的一部分，而非核心。瓷器的本质审美，在于窑火淬炼中完成的胎釉表达。其釉色并非如绘画颜料般人工调色，而是经化学反应形成的熔融凝固色层——这层色带着古人的审美、对材质工艺的控制智慧，也带着窑火中的必然与偶然。残片，正蕴含着这些丰富信息。
宋朝是中国文化与审美的成熟时期。文化高峰与审美特质，均在瓷器上留下标志性烙印。瓷片直观地将时代烙印呈现在我们面前，宋代瓷器洋溢着自然化与生活化审美：民间瓷器表现手段丰富，皇宫官用瓷器则精致考究。虽同属自然风格，因生活需求差异，器物风貌迥异。“天为至尊”思想亦影响瓷器烧造。自五代传说中柴窑对天青色的追求始，无上高贵的青瓷成为宋代瓷器的理想。巧合的是，历经漫长演化，祭天的青铜器逐渐被瓷器取代，庙堂之器的规格需求，为宋代“天青色”瓷器的独特地位增添又一注脚。
需提及的是，在宋代，单色釉瓷器大行其道。仅施一种色釉的瓷器，何以表达最高级审美？瓷片可充分解答这一问题：单色釉因烧成不稳定，色彩成色成为价值核心，稀少而优美的色泽自然成珍品。除色彩外，质感亦为关键：宋代以前瓷器釉层薄透如玻璃，宋代工匠为追求质感，不仅优化釉料配方，更通过多次上釉使釉层增厚。厚釉产生玉般温润质感，暗合“君子如玉”的儒家审美。厚釉在烧结时产生的冰裂纹，更成就宋瓷名贵品种。
书中可见宋瓷的丰富品类——其颜色、质感、釉层厚薄的差异，源于不同生产背景。但无论何种瓷片，都是工匠在特定环境下追求极致的产物。类比而言，宋瓷就像是彩色胶片发明前的黑白摄影：虽器材、胶片受限，却以纯粹的光影语言成就艺术经典，永驻审美高地。该书呈现的，正是这种外显简约、内蕴复杂的美学。
该书风格清淡，可能因为宋瓷本身的淡雅基调，给了作者以美感语言呈现的鼓励。它的写作，是一种个人体验式的。就好像一个诗人，在尝试通过瓷片这种特殊的美好语言，与宋人对话、与今人探讨，这正是当下的文化潮流。在中华优秀传统文化复兴的背景下，国人自觉探寻文化根脉、亲近古典之美。对普通人而言，深入与否并非关键，体验本身更具价值。但有效体验的前提，是真实准确的文化传达，否则，再多体验也可能南辕北辙，难触文化真髓。
（作者系《收藏》杂志原主编）
