回望2012：舞美创作需要“减负”

　　12月12日至13日，由文化部艺术司、中国舞台美术学会、云南省文化厅共同主办的中国舞台美术·科技·服饰论坛在昆明举行。来自国内舞美界的一线设计者、研究者就中国舞台美术的创意和科技走向、导演与舞美设计的关系、光影在舞美创作中的应用等问题，与各地的舞美从业者进行了面对面的交流。从年初广州的中国舞台美术与技术邀请展，到7月在乌鲁木齐举行的国家舞台艺术精品工程舞台美术作品展，再到年终的昆明展，虽然少了奥运会、亚运会等大型文化演出活动的助阵，但2012年的中国舞台美术依然显示出红红火火、交流频繁的景象。尤其是全国范围的优秀剧目展演、汇演，不仅检验了近些年舞台艺术创作的成绩，而且集中反映了当前舞台美术创作的水平和高度。那么，在这样一个热闹的氛围背后，2012年的舞台美术创作给我们留下了哪些思考？如何评价这一年舞美的发展状况？又有哪些因素成为舞美艺术质量提升的障碍？在此次论坛上，记者邀请舞美界的专家、从业者就上述问题进行了深入探讨。

　　现状——

　　舞美创作裹足不前，创新缺乏后劲

　　回顾2012年的舞台美术，中国舞台美术学会会长蔡体良认为，虽然整体的质量意识提高了，艺术品位加强了，制作投入趋于冷静，但总体而言仍处于“停止状态”，不活跃也没退步。不管是国有艺术院团，还是各地演出团体，都在原创剧目创作上狠下工夫，一批作品推上舞台，然而，多数剧目制作仓促，艺术打磨不精，缺乏内容亮点，艺术探索步伐放缓，这些问题一定程度上影响了舞美创作总体水平的提升。而对于饱受诟病的舞台大制作问题，蔡体良认为，舞美设计不等于大制作，它是一项充满原创性、创新性、审美性、整体性的艺术创造活动。近些年，一些舞台演出一窝蜂追求高投入、大制作、全景式，严重损害了舞美设计的创作本质，致使“舞台装修队”成为了舞美设计的代名词。这一趋向在今年的话剧、戏曲、舞剧舞台上有所缓和，但在一些歌剧的舞美创作中仍然蔓延，值得关注。

　　北京舞蹈学院教授、舞美设计韩春启对2012年舞美创作最大的印象就是出现了向人回归的迹象。他认为，虽然整体的设计理念和创作水准还参差不齐，但以技术炫耀为核心的舞美设计观念已经没有多少生存空间了，观众走进剧场不是为绚烂的舞美而来，不是为夸张夺目的布景、灯光、色彩而感动，更多的还是聚焦表演本身，落实到舞台的主体——人身上。对此，舞美设计苗培如也有同感，他认为，近些年的舞美创作之所以出现裹足不前、创新乏力的趋向，就是没有找到舞台的主体，没有把戏剧作为综合艺术加以全面考量。舞台艺术是综合艺术，如若舞美和表演、文本脱节，各自为政，长此以往，再多的景片、电脑灯、喷雾、转台也难以传达出舞台作品的艺术魅力，难以摆脱剧场几日游的窘境。

　　差距——

　　需要原创的“营养剂”而非技术的“添加剂”

　　如果梳理2012年国外艺术团体来华演出的剧目，我们会发现不管是大剧院演出的《暴风雨》(英国“与你同行”剧团)、《安魂曲》(以色列卡梅尔剧团)、《冬天的故事》(英国普罗派拉莎士比亚剧团)、《敌人，一个爱情故事》(以色列盖谢尔剧院)、《情人的衣服》(巴黎北方剧场)，还是小剧场演出的《安德鲁与多莉尼》(西班牙库伦卡剧团)、《上街的动物和孩子们》(英国1927剧团)、《消失的地平线》(英国空动剧团)等，虽然作品的艺术风格、表现手段、导演手法各异，但它们的舞美设计都自由、简约、开放，既有效传达了主创者的思想意图和美学理念，又为舞台表演提供了艺术支撑，实现了表演与空间、演员与观众之间的互动、交流。这些剧目一经上演，就受到国内戏剧爱好者的追捧、热议。对于这种现象，蔡体良认为，国外剧团演出的成功赢在了原创，而这正是中西舞台创作的差距所在。

　　时下的国内演出舞台，我们引进了世界一流、最先进的舞台技术手段，看到别人用什么，就不顾文本要求，急于上马，一味以形式的模仿追赶世界潮流，用精美的视觉景观营造舞台的虚拟幻境。“我们在引进新设备、新技术上信心十足，却在原创的环节没有一点耐心。”蔡体良认为，技术进步是舞台创作的必然趋势，但技术不应为电脑灯、LED大屏幕服务，而应为艺术服务；要会“化用”技术，而不是“炫耀”技术，要把它们当作艺术原创的辅助手段。“今年看了很多外国戏，它们演出用的灯都能数出来，造型也极为简单，但我们的很多戏灯光泛滥，都不知道用了多少，造成演出资源的严重浪费。”中国的舞美创作要想真正走向世界，不能做技术的追风者、崇拜者，还是应该多吸收一点原创的“营养剂”，少一些拔苗助长的“添加剂”，骆驼坦步，尊重舞台创作规律，否则我们与世界的距离只能越来越远。

　　生态——

　　追捧大腕儿，地方舞美创作生态遭到破坏

　　本次论坛上，一位来自基层的舞美工作者向记者讲述了他的遭遇。省里提出要打造一台能获奖并体现本地风情特色的舞台演出，对创作团队提出了具体标准，即编、导、演、舞、化、服都要是国内的大腕儿。但是大腕儿就意味着高投入，而且一线知名设计师人数有限，且多身兼数戏，很难与其他创作者坐在一起长时间打磨、完善。于是，请来的大腕儿往往只能把舞台的设计意图画在几张草图上，让地方人员具体执行，自己则因“公事繁忙”，先行告退。面对几张不知其意的草图，工作人员不得其解，无奈只能请这位基层的舞美设计帮忙重新完善加以实施。打造这样一台演出，知名大腕儿拿到的设计报酬往往是地方一线舞美设计的10倍之多。“不管你的设计理念多先进，不管你的舞美设计经验多丰富，因为你不是大腕儿，只能将创作的机会拱手相让。”像这位基层舞美工作者描述的问题并不是个别现象。

　　蔡体良认为，过于急功近利的戏剧创作倾向破坏了地方舞美创作的生态环境，阻碍了基层舞美人才的成长，这是违背艺术发展规律的面子工程。舞台创作从最初的立项、论证，到组织团队排练、打磨、成型，有一个生长周期，这是艺术家的创造过程。如果相应的主管部门管的太多、太细，指标定的太具体，反而不利于一部优秀作品的诞生。好的作品，它的舞美创作要经得起推敲、要耐得住艺术的考验，但现在这样的作品太少了，文化底蕴太匮乏了。韩春启也认为，时下很多戏都用同一个舞美设计、同一个灯光设计，致使作品千人一面，从构思到表现手段同质化严重，缺乏个性特色。在这些舞台作品中，我们看不到各个剧团的艺术风格，找不到舞台创作的差异性、地域性，更发现不了有天赋的青年创作人才，这是很可怕的事情。谈及出现这种现象的原因，他认为，首先是相关部门缺乏高端思考，热衷于插手艺术家的创作活动，以行政指标代替美学标准，让艺术家放弃了独立思考的能力；其次是艺术家的个性表达很难在艺术实践中实现，往往碍于各种现实的利益和干扰而妥协放弃，最终呈现出“领导定指标，艺术求保险”的特殊状态。在他看来，舞美设计本身存在各种限定因素，如剧本、导演、剧场设施等，这些都是属于艺术范围内的。真正的舞美设计是在一般经费的基础上拿出高质量的作品，而不是依靠大腕儿、依靠行政指令。舞美创作需要“减负”，用廉价的材料制造华丽，这才是舞美设计的本真。

　　趋势——

　　舞美创作要走古典和现代相结合的道路

　　针对目前舞美设计出现的问题，有人提出应该回归朴实、单纯，向西方彼得·布鲁克式的“空的空间”看齐。其实，这种观点恰恰是对中国戏剧美学的忽视。中国戏曲舞台空间就是“一桌二椅”，一切的意义都由演员的虚拟表演加以呈现。现在很多知名导演、青年导演都倾向于把舞台做空，打造空灵的境界，但是却很难让演员驾驭这个空间，使得戏份不够来让灯光、音响、喷雾凑的现象频繁出现。蔡体良认为，戏剧导演也需要补好中国戏曲的文化课，要潜心领会中国戏曲舞台美学的精髓。我们不仅要善于运用写意的空间营造意象美，还要把写实化的舞台继承好、创新好。写实考验的是舞美设计的基本功，只有把古典美学和现代美学融会贯通，走两者相结合的道路，才能为舞美创作带来新的转机和希望。

　　苗培如则提出，舞美设计除了要拓展艺术视野、夯实知识基础外，还要打好绘画的基本功。现在电脑技术对舞美设计帮助很大，带来诸多便利，三维成像技术可以瞬间使得设计师的意图通过视觉动画加以呈现，但也带来一个问题，即电脑的制作过程取代了人对外在事物的感性认知，取代了对日常生活中美的发现和把美转化为图像的动手能力。纵观国内外优秀的舞美设计作品，都能看出创作者扎实的美术功底和空间构图能力，对于青年舞美设计来说，素描就是走进这一领域的敲门砖。